introduction
La photographie en noir et blanc reste l'un des genres les plus populaires du médium. Ici, au magazine Digital Photographer, nous recevons un grand nombre d'images monochromes de photographes du monde entier, démontrant une appréciation universelle pour le pouvoir de la simplicité et les composants fondamentaux d'une photographie - la lumière et l'ombre. Alors que l'imagerie couleur peut produire une recréation réaliste du monde qui nous entoure, le noir et blanc est capable de transcender le naturel ou l'exactitude en tant qu'éléments essentiels d'une scène et de produire une représentation unique et viscérale de ce que nos sens ont rencontré sur le terrain.
Cela peut être dû en partie au fait que, que vous utilisiez un appareil photo pour étudier une scène ou vos propres yeux, vous voyez effectivement en monochrome. Les deux appareils d’imagerie ne «voient» que la lumière et l’ombre - clair et sombre. Le capteur d'un appareil photo numérique et la rétine de votre œil fonctionnent en détectant les différences d'intensité lumineuse, rassemblant ces informations dans une carte de luminosité - un agencement de points de luminosité variable. Une image en noir et blanc.
Plus: Comment voir en noir et blanc
Toutes les informations de couleur doivent être ajoutées plus tard, quoique apparemment instantanément de notre point de vue, via l'utilisation de pigments chimiques dans le système visuel humain ou le processeur d'image d'un appareil photo numérique. La photographie monochrome offre donc la reproduction la plus fidèle des détails et nous permet d'explorer la forme et la forme d'une manière qui serait difficile avec l'interférence de la couleur.
Nos cerveaux sont réglés pour remarquer la couleur en premier, donc là où elle est présente, nous devons faire très attention pour éliminer les teintes gênantes ou celles qui se heurtent de manière peu attrayante. Le noir et blanc est sans doute un médium plus simple et peut nous libérer pour examiner les contrastes de forme.
Nous examinons ici certaines des méthodes professionnelles pour utiliser au maximum le monochrome, pour des images qui se démarquent et nécessitent plusieurs vues.
1- Voir en monochrome
La chose la plus importante à retenir à propos de la photographie en noir et blanc est que le manque de couleur n'est pas une raison en soi pour prendre une image. Oui, le monochrome peut être considéré comme une nouveauté, aidé en grande partie par l'abondance de filtres photo dans les applications mobiles telles que Instagram, mais la conversion n'est pas une astuce bon marché ou une carte de sortie de prison gratuite. Vous devez en avoir assez sur une scène pour susciter l'intérêt en premier lieu.
Si vous voulez présenter le monde sans couleur, vous devez travailler très dur pour retenir l’œil du spectateur. Lors de la mise en place d'un plan, regardez les couleurs présentes et comprenez comment celles-ci fonctionneront ensemble comme de simples nuances. Un ciel bleu fournira une toile de fond contrastée lorsqu'un filtre rouge est appliqué par exemple, ce qui fera également ressortir les fleurs sur le feuillage vert. Recherchez des couleurs qui contrastent en termes de luminosité pour garantir des images mono finales spectaculaires.
2- Tirez pour le montage
Pour les photographes numériques, il est presque certain que la conversion en noir et blanc se produira au stade de l'édition plutôt que dans l'appareil photo. Étant donné que la plupart des photographes professionnels utiliseront le mode RAW, les préréglages noir et blanc ne seront pas appliqués et doivent donc être ajoutés ultérieurement dans le logiciel. Par conséquent, il est utile d'avoir à l'esprit une idée de la façon dont vous envisagez de traiter votre image, pour un effet dramatique.
Une fois que vous savez quel style d'image vous souhaitez en tant que produit final, vous pouvez personnaliser votre prise de vue en conséquence. Si vous souhaitez créer une image haute définition, vous ajusterez votre exposition en conséquence. Si vous souhaitez avoir une forte présence dans le ciel, le bracketing de vos photos ou l'utilisation d'un filtre ND Grad matériel signifiera que votre fichier est déjà à mi-chemin de l'image finale. Essayer d'appliquer des modifications opposées au style de prise de vue créera toujours des difficultés et des coups moins percutants.
3- Contrastes de texture
Les contrastes de couleurs et de luminosité sont une grande partie de la photographie et de nombreuses personnes choisissent de se concentrer sur ces derniers pour apporter de la profondeur à leurs images. Sur ces deux paramètres, en photographie noir et blanc, il ne vous reste que la luminosité, qui peut être une grande source de drame.
Cependant, vous pouvez réintroduire une dimension secondaire et un contrepoint visuel en utilisant des textures contrastées. Allongez l'exposition pour brouiller les éléments en mouvement, tels que l'eau, pour fournir un contrepoids en douceur aux rochers ou aux arbres tranchants dans l'environnement environnant, par exemple. Si vous photographiez un mur de pierre, l'utilisation de la vitesse d'obturation pour ajouter du flou de mouvement à un arbre se balançant ajoutera l'énergie perdue par la suppression de la couleur.
4- Remplissez la gamme
À l'ère numérique, nous pouvons nous préoccuper de garder les tons de nos images dans l'échelle de l'histogramme. La capture numérique peut être assez impitoyable en ce qui concerne les détails des hautes lumières en particulier, l’écrêtage se produisant facilement si nous ne gardons pas un œil sur l’exposition. Cependant, cela peut conduire au problème inverse - un manque de contraste.
Nous devons nous assurer que nous voyons de vrais noirs et blancs dans nos images, pour produire une tonalité naturelle et dramatique. Bien que nous souhaitons peut-être éviter 255 blancs et une valeur de noir de 0 - indiquant des zones solides et sans relief - assurez-vous de ne pas permettre à la surexposition des ombres ou des blancs de devenir gris.
5- Utiliser la puissance graphique
Avec la suppression de la couleur, nos yeux commenceront automatiquement à accorder une plus grande attention à la forme et à la forme. La couleur est une caractéristique dominante, de sorte que nous pouvons ne pas remarquer l'harmonie ou la dissonance entre les formes dans une scène, en regardant une image en couleur. Pour le noir et blanc dramatique, recherchez des lignes et des courbes pour diviser subtilement (ou parfois pas si subtilement) votre cadre. Une astuce professionnelle courante consiste à contraster les angles droits avec des arcs souples - très utiles dans les prises de vue d'architecture - ou des lignes qui se croisent, pour créer de fortes limites de tonalité. Une zone lumineuse passant rapidement au noir proche est un outil visuel magnétique et peut créer de merveilleuses études minimalistes.
6- Utilisez des dégradés de lumière
Outre les outils de composition habituels, tels que les lignes directrices, les images en noir et blanc bénéficient d'une variation claire de la lumière. Dans une image monochrome, le gradient d'une zone claire à une zone sombre est beaucoup plus reconnaissable et peut être la source de direction dans le cadre. Soyez à l'affût des sources lumineuses qui peuvent être positionnées pour tracer un chemin à suivre par l'œil, qui sera toujours de l'obscurité à la lumière. Si vous avez besoin que votre spectateur scanne le long d'une rue, placez une source de lumière près de la zone d'importance, ce qui permettra à votre public de se concentrer sur le sujet, tout en prenant note mentalement des détails secondaires dans le cadre.
7- Contrôlez le cadre
Une photographie est un portail vers la scène capturée en son sein. Les côtés du cadre isolent le contenu visible dans le viseur et lui attribuent un nouveau contexte. Il est donc important de choisir les dimensions de ce cadre, qui peuvent grandement modifier la façon dont le sujet est représenté. Pour les scènes simples, nous devons nous assurer que toute intention minimaliste est claire, ce qui implique de réguler la quantité d'espace négatif présent. C'est pourquoi les images carrées fonctionnent bien pour ces types de compositions.
Lorsque vous souhaitez vous concentrer sur les différences entre la texture et la lumière au premier plan et en arrière-plan, une photo au format portrait 3: 2 sera idéale. Pendant ce temps, essayez d'utiliser 4: 3 ou 5: 4 où vous avez déjà un bon équilibre des intérêts dans tous les domaines de la scène et que vous souhaitez afficher le premier plan et l'arrière-plan dans une mesure relativement égale.
8- S'engager dans le processus
Les techniques d'édition numérique facilitent plus que jamais l'application d'effets spéciaux, de tons de couleur et de sélections basées sur la chrominance à notre travail. Cependant, cela conduit souvent les photographes à oublier la vraie raison pour laquelle ils voulaient créer une image monochrome en premier lieu.
Bien que ces effets spéciaux puissent ajouter une dimension supplémentaire et rendre les images moins prévisibles, ils peuvent facilement commencer à rendre le créateur indécis. Les effets d'éclaboussure de couleur ajoutent rarement du récit et semblent souvent bon marché. L'œil sera instantanément attiré par la zone colorée, manquant tout autre détail que vous voudriez que le spectateur voie et le contraste non naturel sera probablement désagréable. Soit faites votre photo en couleur ou en noir et blanc, pas les deux!
9- La révélation
Une autre façon d'ajouter des contrastes à vos prises de vue monochromes et de créer une sensation de profondeur consiste à cacher et à révéler des détails nets. Cela peut bien sûr être fait en utilisant une faible profondeur de champ, mais, le cas échéant, de la brume, du brouillard et même de la brume de chaleur peuvent être utilisés pour établir un gradient de texture. Plus de détails seront visibles au premier plan, puis se réduiront progressivement, se déplaçant plus profondément dans l'image. L'exemple parfait de ceci est un chemin forestier qui s'estompe dans un arrière-plan brumeux. C’est une technique courante mais qui fonctionne bien en l’absence de couleur, pour diriger le regard.
10- Utiliser l'éclairage latéral
Lorsqu'une image est dépourvue de couleur différente pour séparer des objets discrets, ceux-ci peuvent facilement se fondre les uns dans les autres si l'on ne prend pas soin de l'exposition. Lorsque deux zones sont similaires en termes de valeur tonale, elles peuvent être difficiles à distinguer l'une de l'autre, mais lorsqu'il y a une différence de couleur, le contraste est plus évident. Afin de réintroduire cette séparation, recherchez un éclairage latéral ou latéral pour mettre en évidence les limites entre les objets et éviter les zones d'espace apparemment vide. Ceci est particulièrement pertinent dans les scènes discrètes, où les tons sombres prévalent. Utilisez un faible ensoleillement ou un flash hors caméra pour contrôler l'éclairage et conserver la forme et la forme.
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