La photographie culinaire a pris un nouveau souffle ces dernières années. Ce n'est plus le créneau réservé aux livres de cuisine et aux menus des restaurants bon marché - les médias sociaux ont fait de la photographie culinaire l'un des genres les plus populaires de la forme artistique, la cuisine (et même la consommation) du repas étant souvent secondaire.
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La situation actuelle de verrouillage fait de la photographie culinaire un choix encore plus attrayant pour les photographes frustrés incapables de se diriger vers le monde réel. Avec un peu plus que votre kit de caméra principal et les surfaces de votre cuisine, vous pouvez créer des clichés vraiment savoureux.
Alors que les principes généraux ont beaucoup en commun avec la nature morte et la photographie de produits, photographier des aliments comporte de nombreux pièges qui lui sont propres. Dans tous les cas, vous aurez besoin de bases solides de la théorie et de la technique photographiques - et évidemment la pratique rend parfait! Tout comme préparer votre plat préféré, faire les choses correctement peut être beaucoup plus compliqué qu'il n'y paraît.
Pour vous mettre sur la bonne voie pour capturer vos créations culinaires, nous sommes allés dans la cuisine avec le photographe culinaire professionnel Ewen Bell pour examiner à la fois l'équipement et les compétences clés pour obtenir des clichés qui sont autant un régal pour les yeux que pour le estomac…
1. Travaillez sous un bon éclairage
L'erreur la plus courante est d'essayer de photographier de beaux plats sous un mauvais éclairage. Les caméras voient la lumière, pas les sujets, même lorsque ce sujet est délicieux!
La photographie culinaire commence toujours par la lumière. La lumière parfaite est douce, abondante et inclinée. Vous voulez jouer avec beaucoup de lumière, mais vous ne voulez certainement pas que la lumière directe du soleil soit diffusée sur la scène; c'est trop dur et trop contrasté. La meilleure table du restaurant a le siège de la fenêtre, avec une lumière du jour brillante à l'extérieur et uniquement une lumière filtrée.
Ce scénario transforme la fenêtre en une grande boîte à lumière, remplissant la table d'une lumière utile qui offre une gamme d'angles de prise de vue. Le point de départ est de photographier à un angle à travers la source lumineuse. Cet angle donne un contraste suffisant pour révéler les détails de la scène et fait apparaître les couleurs. Vous n'êtes pas obligé de remplir le côté opposé de la scène avec un tableau de rebond ou un flash d'appoint, car vous pouvez éclaircir les zones sous-exposées des images brutes lorsque vous traitez les fichiers - c'est souvent plus rapide et plus précis. réglez les fichiers bruts plutôt que d'essayer de les obtenir parfaitement dans l'appareil photo.
Lorsque vous modifiez votre angle, vous créez une qualité de lumière différente pour la scène. Plus vous tirez dans la lumière, plus vous créez de contraste et de drame. La richesse des couleurs diminue, les noirs sont durcis et certaines zones peuvent même exploser, ce qui est acceptable pour des raisons de style, si le drame est ce que vous recherchez.
Alternativement, lorsque vous modifiez votre angle pour que la lumière provienne un peu plus de derrière vous, la scène se remplit davantage et le contraste s'aplatit. En contrôlant l'angle de prise de vue par rapport à la fenêtre, vous contrôlez également le contraste et la couleur, même lorsque la lumière est très, très douce.
Peu importe à quel point votre nourriture est incroyable dans une assiette si la lumière ne fonctionne pas pour vous - une bonne nourriture sous un mauvais éclairage fait échouer les photos. Dans la bonne lumière, en revanche, presque toutes les scènes peuvent être rendues invitantes.
2. Édition de vos clichés
Le traitement de vos fichiers Raw est tout aussi important que le tournage. Les couleurs les plus naturelles résultent souvent de la douceur de la saturation, voire de la réduction un peu de celle-ci; si vous avez des problèmes avec la balance des couleurs, il est probable que la saturation soit trop élevée.
Dans une lumière très plate, vous devrez peut-être augmenter légèrement le contraste afin de donner de la dureté aux bords - l'ajout de contraste uniquement à l'extrémité noire de l'histogramme aidera à préserver les tons ailleurs dans la scène.
De plus, les détails des ombres peuvent être relevés pour équilibrer la scène. Assurez-vous d'utiliser des ajustements sélectifs pour ajouter une exposition ou plus de détails d'ombre si des éléments critiques sont perdus dans l'ombre.
3. Pensez au flash
Le problème avec l'utilisation de la lumière naturelle lors de la prise de vue d'aliments, c'est que ce n'est pas toujours aussi naturel. Les dominantes de couleur peuvent être projetées sur la scène par des arbres à l'extérieur, les lumières intérieures peuvent ajouter des taches de couleur à la pièce et le mouvement des nuages tout au long de la journée peut provoquer des changements dramatiques du contraste et des températures de couleur.
Vous n’obtiendrez jamais une belle lumière blanche propre si vous n’apportez pas la vôtre. L'équipement flash apportera de la cohérence à votre photographie et réduira les efforts de traitement. Des stroboscopes fiables fournissent la couleur exacte et la quantité de lumière d'un cadre à l'autre. Si vous filmez du contenu sur plusieurs jours mais que l’aspect et la convivialité de chaque image doivent être cohérents, le flash de studio est la solution.
En plus d'être très pratique et fiable, une fois que vous maîtrisez votre équipement flash, vous êtes libre de vous concentrer sur votre créativité. L'échelle est essentielle ici. Tout comme nous apprécions une lumière douce, abondante et inclinée dans le siège de la fenêtre d'un restaurant, nous essayons d'obtenir le même résultat en studio.
Une grande boîte à lumière est nécessaire, alimentée par une source lumineuse suffisamment performante. 100 W de flash sont plus que suffisants pour filmer une scène de table et en tirer des moments d'inspiration.
Les flashs alimentés par batterie peuvent faire le travail, mais vous brûlerez les batteries, et elles sont douloureusement lentes à se régénérer à mesure que l'alimentation s'épuise. Pour le même prix qu'un flashgun décent, vous pouvez acheter des kits monoblocs qui offrent une unité enfichable avec un récepteur intégré; connectez-le simplement au secteur et insérez le déclencheur sur votre caméra, et vous êtes prêt à partir.
Une source de lumière fiable est essentielle, tout comme la manière dont vous souhaitez façonner la lumière. Les boîtes à lumière pour la photographie culinaire doivent être très grandes et offrir une diffusion interne généreuse. Vous devez rapprocher la softbox de la scène, le plus près possible pour que la lumière soit la plus diffuse possible.
Si vos boîtes de mise en forme de la lumière ne sont pas assez douces et que la scène est trop contrastée, ajoutez simplement un écran diffusant supplémentaire entre la nourriture et le flash.
4. Arrêter le mouvement
Un éclairage constant de l'équipement de flash de studio est parfait pour réaliser de courts clips en stop motion de l'assemblage étape par étape ou de la présentation d'un plat.
Verrouillez l'appareil photo sur un trépied et verrouillez la mise au point et l'exposition - vous avez besoin que celles-ci soient identiques pour chaque scène. Faites de petits ajustements entre les images pour imiter une scène en mouvement.
Traitez les fichiers bruts à la perfection avant de sortir les images individuelles, puis importez les images fixes dans votre outil de montage vidéo et utilisez des transitions douces pour lisser le mouvement.
5. Toute la magie se produit à 50 mm
Le champ de vision d'un objectif 50 mm est le point idéal pour la photographie de nature morte, y compris la nourriture. Au fur et à mesure que votre champ de vision s'élargit, tel que 35 mm, vous commencez à avoir des problèmes de perspective, et plus vous photographiez, plus vous devez vous rapprocher, ce qui peut exagérer davantage la perspective. Il devient également difficile de contrôler l'arrière-plan avec un objectif plus large; vous ne voulez pas toujours que le reste de la pièce soit dessiné dans le cadre.
Réduire le champ de vision avec un téléobjectif peut également être un problème. Des focales plus longues, telles que 100 mm, compresseront la scène - vous pouvez perdre le sens de la profondeur et vos compositions peuvent paraître plates. Des objectifs plus longs créent également des problèmes logistiques lorsque vous travaillez dans des espaces confinés, car vous n’avez peut-être pas assez de place pour reculer suffisamment pour prendre une photo.
Tout fonctionne beaucoup mieux lorsque vous commencez avec 50 mm. Si vous prenez des photos avec un capteur plein format, l’autre avantage du 50 mm est qu’il existe de nombreux modèles abordables sur le marché.
Une ouverture de f / 2 est idéale, et il est tentant d'utiliser un 24-70 mm f / 2,8 si vous en avez déjà un, mais vous ne profiterez pas du plein effet d'un objectif principal à f / 2 - et vous doivent également faire face à un objectif gros et maladroit qui peut être un frein à votre processus de création.
L'objectif équivalent pour les appareils photo APS-C est un 35 mm f / 1,4, ou pour les appareils photo micro quatre tiers un 25 mm f / 1,4. plus le capteur de votre appareil photo est petit, plus la profondeur de champ que vous obtenez à un diaphragme donné est grande, vous pouvez donc essayer d'aller jusqu'à f / 1,4 au lieu de f / 2 avec ces boîtiers plus petits. La différence entre f / 2 et f / 2,8 est significative pour le bokeh en arrière-plan, et elle est encore plus prononcée à f / 4.
La prise de vue superficielle consiste à attirer l'attention sur un élément de la scène, et le degré auquel vous faites fondre le reste de la scène est essentiel à votre composition.
Votre profondeur de champ augmente à mesure que vous vous éloignez du sujet, de sorte que plus la scène que vous photographiez est grande à 50 mm, plus vous devrez peut-être abaisser le f-stop pour obtenir le degré de flou souhaité.
La prise de vue à f / 4 peut sembler dramatique lorsque votre cadre a la taille d'une tasse à thé, mais elle n'offre aucun impact une fois que vous prenez du recul pour capturer un décor de table complet.
6. Tenez compte de l’échelle
Nous avons tendance, quand nous avons une lentille en main, à continuer à entrer, en essayant de resserrer la composition en supprimant tout ce que nous ne voulons pas dans la scène. C'est un processus réducteur. Nous nous retrouvons avec des compositions très simplistes, sans aucune idée de l'endroit où nous nous sommes trompés.
L'astuce pour créer des compositions plus riches et plus détaillées avec des natures mortes et de la nourriture est de prendre du recul et d'apporter plus dans le cadre, pas moins. Ce n’est pas seulement une question de lentille différente, c’est une perspective différente; penser plus grand, c'est mieux. Nous sommes obsédés par ce qu'il y a dans l'assiette, sans nous rendre compte qu'une plus grande scène est proposée.
En reculant un peu, vous vous retrouvez à tirer sur la table, pas sur le plat. Vous avez maintenant des options pour vos compositions. Reculez un peu plus loin et vous avez un restaurant, pas seulement la table. À chaque niveau d'échelle, vous obtenez différentes options de composition.
Prendre du recul vous permet de placer le plat dans un contexte plus large, avec de la place pour inclure un sentiment d'appartenance. Lorsque vous travaillez en studio, c'est une erreur courante de garder une petite échelle. Vous limiter à une fraction d'un banc ou à un petit morceau de contreplaqué que vous avez peint pour ressembler à du bois patiné limite également votre créativité.
Pour de gros résultats, vous devez penser plus grand qu'une boîte à pain. Élargir l'échelle de votre zone de prise de vue vous permet également de faire de la place pour plusieurs plats. Une assiette offre beaucoup moins d'options que deux ou trois.
Avec des multiples du même plat sur une table ou un banc de studio, vous créez le potentiel pour des compositions en couches. Au fur et à mesure que vous vous déplacez, vous trouverez des plans dans la scène, et ces multiples d'un plat vous donnent de multiples moments d'inspiration.
7. Incluez un peu d'action
La nature morte n'a pas à être immobile quand il s'agit de nourriture. Faites entrer un peu de mouvement dans la scène et donnez-lui vie. Capturer le mouvement dans vos scènes ajoute un impact à une bonne composition - par exemple le versement de liquides, la vapeur s'échappant de plats chauds ou simplement l'aspersion de sel sur un plat.
De plus, la préparation des aliments et les personnes qui les préparent sont d'excellents éléments à inclure dans une série de photos. Le désordre est magique; un sentiment de chaos dans une cuisine, ou des ingrédients sur un établi, ajoutent de l'intérêt.
8. Style de la photo
Construire une composition intéressante nécessite un éventail d'approches, avec un style culinaire à une extrémité et un photojournalisme à l'autre. Vous pouvez soit créer la scène exacte que vous voulez à partir de zéro à l'aide d'accessoires et de styles, soit rechercher des moments dans une scène qui existe déjà dans le monde réel; les meilleurs résultats proviennent souvent d'une combinaison des deux.
Le stylisme est une compétence dédiée - sur un tournage commercial, le styliste peut en fait gagner plus que le photographe. Les stylistes fournissent leurs accessoires et leurs idées, et généralement le concept de la prise de vue globale repose principalement entre leurs mains.
Le photographe devra prendre les devants, manipuler la lumière à son avantage et s'assurer que la scène finale est techniquement compétente.
En tant que photographe, c’est une joie de travailler avec un bon styliste, car ils portent une grande partie de la charge créative. Avec le styliste préparant la scène, vous êtes en mesure de consacrer votre attention à la tâche de trouver la composition idéale - pour qu'une seule personne gère à la fois la photographie et le style peut être exigeant, car votre cerveau saute entre deux tâches et vous peut ne pas être en mesure de terminer avec succès non plus à votre satisfaction.
Lorsque vous photographiez sur place, il est important de prendre en compte la part du personnage original du restaurant ou de la cuisine que vous souhaitez intégrer dans les images. Les impératifs du photojournalisme vous dictent de révéler la nature de votre sujet, tandis que le style est une tentative de le créer à travers l'art. Dans la pratique, il y a toujours un degré des deux.
J'aime «tourner autour de la scène» lorsque je visite un restaurant ou un autre lieu. Je demande au personnel de dresser les tables comme ils le feraient pour les invités, et de présenter des plats avec des vins servis - je veux voir comment ils présentent leur travail. Avec une table entièrement habillée, je commence alors à chercher des éléments dans la scène.
Je recherche un «héros» et je déterre des compositions qui traversent de multiples éléments. Et puis je pourrais commencer à coiffer la table un peu - pas beaucoup, juste un peu. Je fais des ajustements, je supprime les distractions et j'ajoute des calques à l'arrière-plan. Je fais cela avec des tournages en extérieur et lorsque je travaille avec un styliste en studio.
La combinaison de ces deux approches permet d’obtenir une diversité dans les images que vous êtes en mesure de collecter et d’ouvrir la porte à des compositions innovantes qui sont étonnamment enrichissantes.
9. N'oubliez pas d'utiliser des accessoires
La clé d'un bon style culinaire est d'avoir des accessoires à portée de main pour compléter la scène. Si vous prévoyez de tourner beaucoup en studio, vous voudrez commencer à collecter des accessoires intéressants pour pimenter vos scènes.
Les ingrédients d'une recette peuvent être utilisés comme accessoires, ainsi que comme vaisselle et vaisselle. Les gens peuvent aussi servir d'accessoires. Pensez aux mains impliquées dans la scène, ou peut-être au personnel de cuisine manipulant un plat - la mise à l'échelle pour tirer plus large permet de faire entrer ces accessoires dans la composition.
Le bon accessoire peut ajouter du contexte à une scène, comme un pot de thé et des tasses à côté d'une part de gâteau. Les accessoires peuvent également être utilisés pour ajouter soigneusement des couleurs spécifiques à une scène qui embellissent le sujet principal.
10. Prenez le contrôle total
Ce qui rend la photographie culinaire si différente des autres genres, c'est le degré de contrôle que vous avez sur le sujet. Vous pouvez faire à peu près tout ce que vous voulez sur la scène - vous pouvez même le manger! Il est facile de contrôler la lumière sur une scène de la taille d’une table, par rapport à la prise de vue d’un studio complet ou à l’attente du lever du soleil sur un paysage.
La nourriture n'a pas besoin de prendre une pose ou de livrer une expression; il est assis là et accepte silencieusement l'attention sans bouger. Dans certaines limites, bien sûr, soyez prudent avec la crème glacée, car elle peut fondre en quelques minutes si vous n’êtes pas prêt pour la photo.
L'échelle et la nature inanimée de la photographie culinaire vous offrent d'excellentes possibilités de composition. C’est un genre formidable pour explorer l’utilisation de la couleur, de la perspective et de la répétition.
Ne pensez pas que vous avez besoin de toutes les couleurs de l'arc-en-ciel dans une seule image, essayez plutôt de travailler avec une palette de couleurs limitée et trouvez des moyens de répéter les couleurs dans la scène. Et utilisez plus d'un plat dans votre style, en tirant parti d'une plus grande échelle et d'idées plus grandes.
Changez de perspective pendant que vous photographiez - essayez la vue de haut en bas, mais recherchez ensuite différents angles qui révèlent plus ou moins certains éléments.
La photographie culinaire se prête à la prise de vue en mode connecté, et c'est une bonne idée de travailler avec un ordinateur portable et un câble d'attache en studio ou sur place. C'est un gros avantage par rapport à la visualisation sur caméra uniquement, car vous obtenez un bien meilleur retour sur les variations subtiles de vos prises de vue et une confirmation plus précise de l'endroit où votre faible profondeur de champ frappe.
De plus, la clarté d'un grand écran d'ordinateur portable vous donne également de meilleurs rendus de vos compositions, avec votre traitement de traitement préféré lorsque chaque image sort de la caméra. La règle principale, cependant, est de toujours commencer par la lumière - peu importe à quel point la nourriture est intéressante si vous n’avez pas une bonne lumière. Visez une lumière douce, abondante et inclinée.
Au fur et à mesure que vous changez de perspective, vous pouvez également changer votre angle de lumière - comme ajouter du sel et du poivre pour assaisonner un plat, changer votre angle permet d'affiner la sensation de la prise de vue.
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