Vous devez savoir comment éditer des vidéos, pas seulement comment les filmer. Les deux sont si étroitement liés que vous devez savoir à quoi devrait ressembler votre film fini avant même de commencer le tournage - et ces conseils de montage vidéo sont là pour vous aider.
L'action est terminée, le tournage est terminé et toutes les images ont été capturées avec succès à la caméra. Mais le montage, c'est quand l'histoire se rassemble vraiment. C’est là que les éléments visuels, l’audio, la musique, l’étalonnage des couleurs, l’ingénierie sonore et les graphiques transforment les matériaux de base en un film fini prêt à être regardé et apprécié.
L’art de l’édition ne concerne pas le programme que vous utilisez, les LUT que vous ajoutez ou les graphiques que vous créez. Il s'agit de décider des plans à utiliser et de ceux à supprimer, de la façon dont les plans choisis s'emboîtent et de la manière dont vous utilisez le son pour rassembler l'apparence et la sensation générales.
Réussir un film est une question de narration. Les grandes productions dramatiques hollywoodiennes ou Netflix ont des centaines de personnes sous la main, créant tout ce qui correspond à la vision du réalisateur. Qu'il s'agisse de s'assurer que les couleurs des vêtements que les acteurs portent correspondent à la scénographie, de vérifier qu'il n'y a pas d'erreurs de continuité et que le dialogue et la caractérisation sont totalement crédibles, c'est une opération majeure. Vous n'avez peut-être pas le luxe de faire des choses comme ça dans votre production, et il y a de fortes chances que vous tourniez votre propre matériel et que vous le montiez, peut-être dans le cadre d'une petite équipe. Mais quelle que soit la taille ou l'échelle du projet, tout se termine dans une suite de montage où la coupe finale du film est réalisée. Voici notre guide des principes d'édition de base.
1. Tirez toujours pour le montage
Lorsque des films étaient tournés sur des films réels qui coûtaient une fortune à traiter, de nombreux cinéastes étaient à juste titre très frugaux quant à la quantité de séquences qu'ils tournaient. Mais de nos jours, avec les appareils photo numériques haute résolution, il est facile de continuer à filmer, de sorte que vous avez beaucoup plus de séquences que vous n'en aurez réellement besoin. Il obstrue les disques durs et consomme du temps d'édition. Mais il ne sert à rien d’avoir beaucoup de séquences de la même partie de la scène. Une variété d'angles et de points de vue facilite grandement le montage final. Plans bas, plans larges, plans généraux - chaque plan offre une autre option. Un bon cinéaste réfléchit à la manière dont les plans peuvent ou pourraient être utilisés dans le montage au fur et à mesure que le tournage est planifié et tourné.
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2. Obtenez les bons clichés
La plupart des scènes nécessitent une variété de plans. En règle générale, un plan large et précis est nécessaire pour donner au spectateur un certain contexte. Puis quelques plans de milieu et de gros plan pour raconter l'histoire. Et chaque fois que vous coupez entre deux caméras différentes, la position de la caméra doit changer d'au moins 30 degrés entre les prises de vue, sinon cela ressemble à une erreur. Pour une séquence d’action, il est préférable de filmer à partir de deux positions de caméra différentes afin de pouvoir couper entre elles lors du montage. Et essayez de vous en tenir à la règle des 180 degrés où vous imaginez une ligne entre deux sujets qui parlent, et la caméra reste toujours d'un côté de cette ligne. Donc, dans le montage, il semble qu'ils se parlent, plutôt que les deux se font face de la même manière.
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3. Ne soyez pas précieux
Souvent, les clichés les plus délicats qui sont visuellement époustouflants peuvent ne pas être idéaux pour raconter l'histoire. Ne soyez donc pas précieux sur les images incroyables que vous avez tournées, car l’histoire est l’important. Choisissez les clips qui montrent l'action essentielle pour aider à raconter l'histoire. Tout le reste peut être omis. Cela ne veut pas dire que tous les clichés restent identiques - loin de là! Essayez de montrer quelque chose de nouveau à chaque coupe, comme un sujet différent, ou une autre vue de la scène, comme une prise de vue plus large ou plus serrée ou à partir d'une position de caméra différente. Lors de la coupe, faites varier la taille et l'angle de la prise de vue. Ne coupez pas entre deux plans similaires de la même chose.
4. Pensez au rythme
Lors de l'édition de vos plans, une maxime est que chaque plan doit rester sur l'écran juste le bon laps de temps - assez longtemps pour qu'un spectateur comprenne ce qui se passe, mais pas trop longtemps pour qu'il s'ennuie. Il est donc préférable de garder courts les gros plans ou les prises de vue simples sans aucun mouvement. Mais il vaut mieux laisser les plans larges avec beaucoup de choses ou les scènes pleines d'action avec plusieurs sujets plus longtemps pour que le spectateur comprenne ce qui se passe. Pensez aussi au rythme. Beaucoup de plans courts et saccadés ne vont pas bien avec des plans plus longs et plus lents. Le rythme peut vraiment affecter la façon dont les spectateurs perçoivent le film.
5. Ne soyez pas trop sophistiqué avec le montage flashy
À moins que vous ne fassiez une vidéo pop pour un groupe de rock au rythme effréné ou peut-être une publicité d’action de sports extrêmes, il est souvent préférable de s’en tenir aux coupes et transitions conventionnelles qui correspondent au rythme du film. Les coupes standard conviennent à de nombreux plans où l'action se poursuit d'une scène à l'autre. Une fusion croisée, où un plan se fond dans un autre, est souvent utilisée pour montrer qu'un court laps de temps ou une partie d'un voyage a été laissé de côté. Les transitions et les lingettes flashy, dont beaucoup sont standard dans de nombreux programmes d'édition, peuvent rapidement sembler trash et gadgets.
6. Apprenez à aimer le ralenti
Le ralenti est l'un des meilleurs moyens d'ajouter quelque chose de spécial à vos films et peut également être utilisé pour masquer des images bancales! La plupart des ralentis sont effectués en enregistrant à une fréquence d'images plus élevée dans l'appareil photo, puis ralentis dans votre programme de montage. Si vous effectuez un montage sur une chronologie de 25 ips mais que vous avez tourné à 100 ips, vous pouvez le ralentir à 4x au ralenti, par exemple. Bien sûr, l'audio ralenti est inutile, vous devez donc utiliser quelque chose pour masquer cela. La rampe de vitesse est une bonne technique à maîtriser, où le mouvement commence à vitesse normale, puis ralentit pour que le pic de l'action soit au ralenti, puis remonte à la vitesse normale.
7. Tout tourne autour de l’audio
Tous les cinéastes savent qu'un bon son est essentiel à tout film. L'audio des sujets qui parlent, ou des machines travaillant dans un film sur l'industrie par exemple, est crucial, bien sûr et doit être enregistré de manière experte sans culminer. Mais il est également essentiel d’enregistrer une piste folle - souvent appelée tonalité de la pièce ou simplement ambiance - à utiliser sur des clips afin de ne pas rester dans le silence. Dans le drame narratif, l'ingénierie sonore fournit une gamme incroyable de bruits et d'effets pour aider à raconter l'histoire. Dans le documentaire, n’ayez pas peur d’utiliser des effets sonores et des bruits si vous ne pouviez pas les enregistrer pour de vrai. Comme des vagues qui s'écrasent sur une plage, une impression par ordinateur, une alarme sonore, des gazouillis d'oiseaux ou des acclamations de foule.
8. Clouez ces couleurs
Les couleurs et les tons affectent nos humeurs et rendent les histoires plus faciles à raconter. Cependant, avant de vous plonger dans des looks et des nuances subtiles, il est important que les couleurs de votre film soient naturelles et bien assorties. Chaque prise de vue doit être modifiée en termes de luminosité, de contraste, d'exposition et de balance des blancs à l'aide des outils de couleur de votre logiciel. Il est particulièrement important de faire correspondre les choses lorsque vous utilisez différents appareils photo et objectifs dans un projet ou dans différentes conditions d'éclairage. La prise de vue d'un nuancier avant chaque prise de vue rend cela beaucoup plus facile. Ce n'est qu'alors que vous devriez envisager d'utiliser une nuance de couleur, ou même une LUT, qui affecte les tons et les couleurs du métrage pour lui donner un certain style. En cas de doute, les couleurs neutres fonctionnent toujours!
9. Allez-y doucement avec les graphiques et les titres
La plupart des applications d'édition sont livrées avec une multitude de modèles que vous pouvez utiliser. Légendes, titres et effets des tiers inférieurs qui donnent l'impression que votre séquence a été tournée sur un caméscope des années 1960 - tous sont disponibles en un clic. Et allez surfer sur Internet et il y a des centaines d'autres de ces thèmes, transitions, looks et titres que vous pouvez acheter pour les brancher dans votre éditeur vidéo. Certains sont excellents et peuvent être ajustés, d'autres sont très astucieux. Alors utilisez-les avec prudence. Des graphiques simples et des titres de tiers inférieurs dans une police facile à lire aident à raconter ce qui se passe à l'écran.
10. Choisissez le bon NLE
Un NLE - éditeur non linéaire - est le logiciel d'édition utilisé pour découper votre projet. Certains sont gratuits, comme Windows Movie Maker ou iMovie si vous avez un ordinateur Mac. Mais pour plus de contrôle et des modifications d’aspect professionnel, il est préférable d’investir dans Final Cut Pro X pour Mac, ou Adobe Premiere Pro et After Effects pour Mac ou PC Windows. Tous ces éléments sont relativement conviviaux mais offrent un flux de travail entièrement professionnel. Une alternative est DaVinci Resolve de Blackmagic qui peut être téléchargé gratuitement pour la version de base, ce qui est plus que ce dont la plupart des réalisateurs ont vraiment besoin. Resolve est la norme de l'industrie pour la correction et l'étalonnage des couleurs, et peut être utilisé comme programme d'édition autonome. C'est complexe, mais peut donner des résultats étonnants.
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