Image: Miles Aldridge
DCW: Mis à part le passage au numérique, comment la photographie a-t-elle changé depuis vos débuts?
MA: Beaucoup de choses ont changé depuis que j'ai pris un appareil photo pour devenir photographe professionnel. Je tourne toujours sur film, même si je tournerai en numérique si c'est un facteur décisif pour un certain client. Mais l'un des plus grands changements est que je travaille beaucoup moins dans la publicité conventionnelle, et je pense que cela s'est produit à cause de la croissance des médias sociaux.
Les clients qui avaient l'habitude de dépenser leur budget pour de grandes séances de photographie le dépenseront désormais sur un mélange de cela et des médias sociaux. Je pense que la plupart des gens conviendraient que l'investissement dans la photographie publicitaire n'est - et je suppose ici - qu'environ 10% de ce qu'il était il y a 20 ans. C’est un paysage très différent.
Quand j'ai commencé, les magazines étaient très dynamiques et passionnants. Avant Internet, les magazines avaient une véritable mainmise sur le consommateur, et c'était l'un des principaux moyens de faire passer votre message. Une fois qu'Internet a décollé, et a commencé à promettre aux clients qu'il pourrait cibler leur public cible, et même donner des commentaires sur le nombre de personnes ayant vu leurs publicités, etc., la proposition d'une publicité dans un magazine est devenue de moins en moins attrayante. Bien sûr, les magazines ont tout fait pour que les annonceurs reviennent, offrant des tarifs moins chers et moins chers, j'imagine. Maintenant, ce n'est plus la partie la plus importante de la campagne publicitaire de qui que ce soit.
Quand j'ai commencé, la situation était claire: si vous étiez un bon photographe éditorial, et que vous faisiez beaucoup d'éditoriaux pour les bons magazines - les Vogues, etc. - vous auriez de nombreuses campagnes publicitaires à tourner. Et l’argent que vous tirez des campagnes publicitaires pourrait également être dépensé pour rendre vos éditoriaux encore plus beaux, car les magazines n’ont pas vraiment soutenu les photographes. Il y aurait un budget de base, mais si vous vouliez faire quelque chose de spécial - comme je l'ai toujours fait - vous devrez le payer vous-même.
Ce genre de dynamique était présent quand j'ai commencé, et cela est resté comme ça jusqu'à ce qu'Internet se soit établi. Si vous feuilletez des magazines du milieu des années 90, vous verrez que la publicité est beaucoup plus agressive, audacieuse et inhabituelle. Je dirais même artistique. Désormais, les images publicitaires semblent toutes pouvoir être prises par le même photographe. Il y a une sorte d'exigence de base maintenant de simplement photographier la tenue ou quoi que ce soit. Il n’ya pas vraiment d’intérêt de la part du client publicitaire à avoir quoi que ce soit d’artistique, je dirais.
Pensez-vous que les gens ne veulent pas prendre les mêmes risques qu’auparavant?
Eh bien, ils ne peuvent pas. Je pense que lorsque l'industrie est pleine de peur - une récession après l'autre, ou les promesses d'Internet de donner beaucoup d'argent à ces marques - cela devient assez creux. La peur que cela suscite chez les personnes investies dans ces projets leur fait penser que peut-être que cela ne fonctionnera pas, alors ils feraient mieux de ne pas gâcher, et donc cela ne vaut rien de risquer. Je pense que lorsque vous êtes dans une situation comme celle-là, cela ne fera que créer un travail très, très fade. Alors oui, pour répondre à votre question, je pense que les gens sont terrifiés à l'idée de faire des images risquées ou intéressantes.
De plus, si vous remontez une vingtaine d’années en arrière, le marché n’était pas aussi mondial qu’aujourd’hui, la même image devant plaire à un public en Arabie saoudite, en Inde ou en Afrique. Lorsque votre audience est si énorme, cela a pour effet de diluer ce qui est acceptable d'un point de vue visuel. Ce que nous, ou moi, pouvons trouver intéressant dans une image, parce que cela concerne un film ou un théâtre où les références culturelles sont très claires, peut ne pas être compris par quelqu'un en Arabie saoudite, par exemple, et il peut en être insulté. Les annonceurs doivent donc jouer un jeu prudent dans ce qu'ils montrent.
"Je pense que les gens sont terrifiés à l'idée de faire des images risquées ou intéressantes."
Miles Aldridge
L'une des choses qui a vraiment changé depuis que j'ai commencé la photographie est que la photographie publicitaire est devenue vraiment inintéressante. Quand j'ai commencé, certaines marques de mode comme Jil Sander étaient le but absolu. Jil Sander était considérée comme la Chapelle Sixtine de la photographie de mode, celle que tout photographe voulait obtenir. Je ne pense pas qu’il y ait une seule campagne de publicité de mode hors du commun que les photographes jugent utile de faire ces jours-ci, même si Gucci semble toujours assez bien, pour être honnête.
Vous avez photographié les étoiles de Jeu des trônes pour le magazine TIME récemment. Comment est-ce arrivé? C'est très différent de ce pour quoi vous êtes connu. Avez-vous fait cela en réponse à l'évolution de l'industrie d'une manière ou d'une autre?
J'ai fait des images du même acabit par intermittence dans ma carrière. Il y avait une image que j'ai faite intitulée Like a Painting for Italian Vogue en 2008, et elle a été inspirée par un peintre de la Renaissance appelé Pisanello. Le projet Game Of Thrones en 2017 a été principalement inspiré par un peintre de la Renaissance du Nord appelé Lucas Crannach, mais aussi légèrement inspiré par Albrecht Dürer, l'autre grand peintre de la Renaissance du Nord. Je suis capable de m'inspirer des films, des livres et de la peinture, et je suis un amoureux de l’histoire de l’art; si c’est une source d’inspiration, je suis très heureux de prendre une référence sur quelque chose qui a 500 ans ou plus. Je pense qu’il est toujours important d’y apporter une touche Miles Aldridge, donc je ne voudrais jamais simplement faire une photocopie directe d’une peinture - je ne pense pas que ce soit intéressant. J'aime toujours y apporter un élément de mon travail le plus connu, même s'il a une référence ancienne ou antique.
Lors du tournage de Game Of Thrones, j'ai travaillé très dur avec le décorateur pour avoir des tissus plus coquelicots, avec une palette de couleurs plus large, pour donner une sorte de touche moderne à ces images historiques. Parce que GOT est fantastique et fictif, basé dans cet univers parallèle, j'ai essayé de penser à une façon de faire des portraits à la fois singulièrement et en tant que photos de groupe qui faisaient référence à ce qu'était GOT, mais aussi d'ajouter quelque chose de différent. Alors, en le rattachant à cette tradition de la Renaissance nordique de ces portraits très simples, avec un élément symbolique comme une fleur ou un fruit. Il y a une peinture très célèbre de Léonard de Vinci d'une fille tenant une belette, par exemple.
"Si c'est inspirant, je suis très heureux de prendre une référence à partir de quelque chose qui a 500 ans ou plus."
Miles Aldridge
C'était le genre de règles, tant que je les adoptais, je pouvais ensuite adapter l'image en utilisant mon éclairage, ma couleur et ma clarté. C'est quelque chose que je partage avec ces artistes: ils avaient un œil obsessionnel pour enregistrer les détails. La façon dont j'éclaire et la façon dont j'utilise mon appareil photo signifie que je capture une quantité extraordinaire de détails, semblable à une peinture de la Renaissance du Nord de cette période.
Diriez-vous que les peintures ont plus d'influence sur vous que les œuvres d'autres photographes?
J'ai certainement été influencé par d'autres photographes comme Helmut Newton, Guy Bourdain, Irving Penn et Richard Avedon. Je trouve non seulement l'image qu'ils ont rendue intéressante, mais aussi la façon dont leur carrière a évolué entre le travail pour des magazines et des projets personnels. Avedon a travaillé sur des expositions et des livres, tout comme Newton et Bourdain. Avedon a également fait beaucoup de travail politique. Je trouve leur carrière inspirante et certaines de leurs images sont vraiment incroyables, mais je pense que si vous ne vous inspirez que d'autres photographes, vous ne réussirez probablement que légèrement avec cette stratégie.
Plutôt que d'être toujours photographe, j'ai toujours voulu être cinéaste ou réalisateur, et j'ai toujours été très inspiré par les images que je pouvais voir au cinéma. Quand j'ai eu la chance de devenir photographe, même si j'avais d'autres photographes parmi mes héros, j'étais très excité de pouvoir aussi faire des photos qui ressemblaient à des images fixes des films que j'aimais. Ou, un mashup entre une copie de Vogue et un film, comme une image cinématographique, mais le mannequin porterait quelque chose d'important pour le magazine, et le tout combiné est devenu quelque chose de nouveau. Et c’est probablement la raison pour laquelle mon travail suscite de l’intérêt, car il ne s’agit pas uniquement de références à d’autres photographes du passé, à la Renaissance, ou même simplement au cinéma. J'ai un esprit semblable à une pie, voir quelque chose à un endroit et quelque chose d'autre à un autre, puis construire une image qui est personnelle mais qui fait également référence à d'autres choses qui m'intéressent.
En ce qui concerne la réalisation de films, je sais que vous avez réalisé des vidéoclips dans le passé. Est-ce quelque chose que vous imaginez plus? Ou peut-être passer aux longs métrages?
«Quand j'ai eu la chance de devenir photographe… J'étais très excité de pouvoir aussi faire des photos qui ressemblaient à des images fixes des films que j'aimais.»
Miles Aldridge
Je ne dirais jamais jamais, mais j'ai fait les vidéos pop avant même de prendre une caméra, donc c'est probablement il y a environ 25 ans maintenant. J'ai eu beaucoup de chance d'être tombé dans cette carrière et je l'ai fait pendant quelques années. Je n’étais pas très bon et les gens étaient très patients avec moi - ils me laissaient essentiellement jouer avec une caméra. Mais j'ai beaucoup appris à le faire. J'ai beaucoup appris sur la construction de décors et la création de ces espaces cinématographiques. J'ai appris un peu l'éclairage en parlant aux cameramen avec qui je travaillais. J'ai aussi appris à gérer un grand groupe de personnes, un grand plateau sur un grand tournage. La plupart de ces vidéos avaient une trentaine de personnes effectuant des tâches différentes, et sur mes tournages maintenant, il y a probablement un nombre similaire de personnes. C’est toujours une véritable production.
Je pense que cela a été très utile pour me faire me demander si je voulais vraiment être cinéaste, car je trouvais vraiment difficile de mettre une signature sur l'image lorsque je faisais des vidéos pop. Quand j'étais photographe, je sentais que je pouvais faire quelque chose là où je l'avais vraiment signé, comme si c'était mon image. Je pense que la réalisation de films est un processus beaucoup plus collaboratif; vous devez vraiment travailler avec le directeur de la photographie en tant que réalisateur, et ils vont avoir une grande influence sur l’aspect de tout. Vous devez abandonner une partie de votre propre esthétique. Donc, parce que je l'ai fait en premier et que j'ai trouvé que c'était assez difficile, quand je suis arrivé à la photographie, où j'étais essentiellement le réalisateur, le producteur et le caméraman à la fois, j'avais l'impression d'avoir cette autonomie que je n'avais pas auparavant. .
J'aimais aussi la façon dont les photographies étaient vues, c'est-à-dire dans un magazine. Au fur et à mesure que je commençais à travailler, ils ont commencé à être inclus dans des livres et des galeries, et maintenant ils sont même dans les musées. Et j'aimais ça par rapport à une vidéo pop, qui à l'époque n'était jamais vue qu'à la télévision. Maintenant, vous le verriez sur YouTube, peut-être sur votre iPhone. Pour moi, le résultat final était quelque chose qui m'intéressait. J'étais très heureux de faire quelque chose qui a créé une impression, quelque chose qui a duré, quelque chose qui était plus beau à regarder que sur un écran de télévision ou un iPhone, ce que je pense manière désagréable de voir les choses.
Sur ce point, s'il y avait un artiste que j'aimais qui voulait une vidéo pop, et qu'il y avait la liberté d'être créatif, ça m'intéresserait. Mais tout comme toutes ces autres choses dont nous parlons, je pense que l'industrie de la musique a eu le courage de s'en sortir financièrement, alors vous auriez du mal.
Vous parlerez au salon de la photographie cette année. Qu'avez-vous prévu?
Je joue toujours avec ce dont je veux discuter, mais je l’ai appelé «Color by Miles Aldridge». Je pense que la couleur est un sujet infiniment fascinant en photographie. J'adore collectionner de vieux livres et magazines de photographie et voir comment les couleurs ont évolué dans différents stocks de films à travers l'histoire de la photographie.
"Je pense que si vous ne vous inspirez que d'autres photographes, vous ne réussirez probablement que modérément avec cette stratégie."
Miles Aldridge
L'évidente ici à discuter est Kodachrome. Au cours des années 1940 et 1950, et même des années 1960, la gamme tonale de ce film était extraordinaire, et il a créé un ton de chair qui a été très difficile à reproduire depuis. Je tourne sur un film Kodak négatif couleur, et j'essaie de le traiter en post-production pour lui donner la même qualité que j'aimais de ces premières photographies.
Je vais discuter de la façon dont la couleur a un effet sur l'image, et comment les couleurs fonctionnent pour moi en photographie. Lorsque j'éclaire un sujet, par exemple, j'aime bien mettre un élément de bleu ou de vert dans les ombres, donc il y a une sorte de fraîcheur dans les ombres, et un peu plus de chaleur dans les reflets. Je vais donc parler de choses subtiles comme ça, et aussi comment un bloc de couleur peut avoir un effet incroyable sur l'image quand il se heurte à un autre, et comment j'apporte cela dans l'image en travaillant avec mes scénographes, faire- des artistes, des stylistes et des coiffeurs avant le tournage. Entre nous, nous collaborons et créons une palette.
Je peins souvent des aquarelles et fais des croquis à l'avance, et avec cela, je peux visualiser comment une photographie se déroulera. Plus je fais ça, plus j'ai confiance sur le tournage que les couleurs vont s'accrocher et donner une bonne esthétique. Je ne veux pas simplement faire quelque chose qui me semble sûr et agréable. Je préfère de loin ajouter quelques couleurs supplémentaires et créer une palette plus déstabilisée. C'est ce que j'essaie d'obtenir, quelque chose qui à première vue est peut-être un peu trop, mais en travaillant avec, vous pouvez l'orchestrer et le composer de sorte que certaines des couleurs auxquelles vous ne pensiez pas pourrait travailler finir par fonctionner. Je pense que c'est ainsi que vous créez des images modernes.
Je suis toujours conscient du passé, qu’il s’agisse d’un tableau de la Renaissance datant de cinq cents ans ou d’un film de David Lynch des années 1980. J'ai un grand catalogue de références visuelles, mais celles-ci ne vous mèneront que si loin - je pense que vous avez vraiment besoin d'expérimenter. Vous pouvez expérimenter dans le studio photo dans une certaine mesure, mais lorsque vous êtes dans un studio avec 30 autres personnes, vous ne voulez pas que tout le monde vous attend. J'essaie donc de faire beaucoup de choses à l'avance par moi-même.
Diriez-vous que votre discours sera plus bénéfique pour quelqu'un qui prend des portraits et veut mieux comprendre la couleur? Peut-être quelqu'un qui veut expérimenter et prendre des risques créatifs?
Peut-être oui. Évidemment, je pense que la conférence plaira aux gens qui aiment mon travail. Je ne sais pas comment je peux les influencer dans leur propre carrière - c'est vraiment à eux de prendre quelque chose de mon travail, de la même manière que j'ai pris des bribes d'Avedon et Newton et ainsi de suite. J'espère qu'il y aura aussi de bonnes histoires là-dedans. Ma carrière a été un long rendez-vous intéressant avec diverses personnes, essayant de faire bouger les choses. Tout cela a été très amusant, mais ce n'est pas fait dans le vide. C’est fait avec beaucoup d’autres personnes.
Je suppose que beaucoup de gens n’apprécient pas nécessairement l’armée de personnes derrière la réalisation de cette image. Ils voient simplement le nom du photographe et le considèrent comme le leur.
Peut-être, ouais. À la fin de la journée, le photographe doit le signer. C'est un effort de collaboration et leur travail est très apprécié, mais c'est le photographe qui doit le signer et il vit ou meurt des talents du photographe.
Quel kit avez-vous tendance à utiliser?
Je photographie à peu près exclusivement sur un appareil photo Rolleiflex 6008. Les objectifs que j'ai tendance à utiliser avec cet appareil photo sont un objectif 90 mm, qui est mon objectif préféré, et il y a un objectif 120 mm, que j'utilise beaucoup aussi. Ce sont les deux que j'utilise principalement. J'utilise également un objectif de 180 mm si j'ai besoin d'être plus zoomé, et je vais probablement aussi large qu'un 50 mm.
Je photographie avec un éclairage Broncolor, et tout est flash. J'aime le Flooter qu'ils fabriquent (ci-dessus), qui est une version d'un Hollywood Frenel.
Je tourne sur un film Kodak Ektar 100 ASA. Je ne filme pas vraiment beaucoup en numérique, mais quand je le fais, j’ai tendance à tourner sur un Leica S avec des objectifs à focale fixe. Je trouve que les Leica ont un meilleur rendu cinématographique que les autres marques.
Miles Aldridge prendra la parole à The Photography Show le 20 mars. Cliquez ici pour plus d'informations et pour réserver des billets
